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Somni (Joan Brull)

Canal: RTVE
Programa: Mirar un cuadro
Título: Somni (Joan Brull)
Descripcion: Joan Brull i Vinyoles (Barcelona, 1863 - 1912) fue un pintor catalán de finales del siglo XIX, representante del simbolismo catalán junto con otros artistas como Adrià Gual, Josep Maria Tamburini o Alexandre de Riquer. Si bien en sus inicios se dedicó a plasmar el realismo, con los años se centró en el simbolismo, representando personajes de la mitología, en su mayor parte femeninos. También es conocido por la cantidad de retratos que realizó, la mayoría de niños y mendigos de la Barcelona de finales de siglo.Cuadro comentado por Daniel Giralt Miracle.
Fecha publicación: 01-07-2013

URL:
http://www.rtve.es/alacarta/videos/mirar-un-cuadro/mirar-cuadro-somni-joan-brull/1907277/

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El duque de Pastrana (Juan Carreño de Miranda)
Don Gregorio de Silva Mendoza y Sandoval fue un relevante aristócrata de la corte de Carlos II, nombrado caballero de Santiago en 1666, poco antes de ser realizado este retrato. Ostenta esta condición tanto en la venera que pende del pecho, como en la cruz que adorna sus ropas.La imagen refleja toda la retórica que el retrato había alcanzado en España en la segunda mitad del siglo XVII. La capa revuelta sobre su brazo, la fusta y la espada como elementos simbólicos y, sobre todo, los dos lacayos que le atienden, son elementos que aluden a su alta condición.La obra muestra el grado de evolución del retrato español y su relación con modelos flamencos combinados con la técnica velazqueña, pero abandonando la rigidez del retrato cortesano tradicional.La pintura fue adquirida en 1896 a la familia Osuna, heredera durante el siglo XIX de la Casa de Pastrana, en cuyo poder habría permanecido la pintura desde su creación.Cuadro comentado por Julio Alejandro.
El bufón Calabacillas (Velázquez)
Durante mucho tiempo identificado como el "Bobo de Coria", el personaje que aparece casi arrumbado en el suelo es Juan Calabazas, que sirve como bufón al cardenal-infante don Fernando de Austria, pasando a partir de 1631 al servicio del Rey. Su extraña sonrisa, su descoyuntada postura y la presencia de calabazas en el suelo hacen referencia a su retraso mental.La presencia de enanos, bufones, bobos y otros seres deformes que, con sus deformidades físicas y mentales, sus golpes de ingenio y desgracias, entretenían a la Corte es habitual desde el siglo XVI. Frecuentemente eran retratados para tener constancia de su apariencia, de modo que el retrato se convierte en documento científico.Procede de la Colección Real.Cuadro comentado por Claudio Rodríguez.
El chico (Benjamín Palencia)
Chico sentado sobre una roca en primer término. Va vestido en tonos rojos, con un fajín a la cintura en negro y blanco. Al fondo un paisaje con la línea del horizonte muy alta.La pincelada es amplia, gruesa y muy densa, dejando paso al espatulado que aparece en toda la composición, incluso en el rostro dibujado, aunque mucho más suave y en pequeñas zonas concretas.Los colores se encuentran combinados de forma excelente, con una tonalidad más cálida en el vestido del muchacho, a base de rojos, con algunas pinceladas amarillas y blancas, mientras que el paisaje emplea diversas gamas cromáticas, tales como verdes claros, oscuros, marrones, azules, toques naranjas, siendo la parte inferior del cuadro más clara que la superior. Todo esto le basta al pintor para confundir el cuerpo con el fondo del paisaje, en una integración general.El paisaje de fondo, se basa en líneas entrecortadas y oblicuas, originando contraste entre las diversas formas y colores. El chico tiene un aspecto natural, pe
El entierro de la sardina (Goya)
Sobre una tabla de caoba de origen tropical, en este caso reaprovechada de la puerta de un mueble, Goya pintó una de las más aclamadas composiciones de su entera trayectoria profesional, por su atractivo colorido y su significado enigmático.Aunque el título más extendido de este lienzo sea El entierro de la sardina, no parece exactamente representar eso, ya que en esa fiesta era habitual vestirse de negro, de curas y de viudas que lloraban la muerte de la sardina, señal del fin del carnaval. Esta fiesta pagana, que se había intentado suprimir precisamente por ser anticristiana, estaba vinculada con el mundo de la locura y se celebraba con máscaras, también objeto de prohibiciones varias.En el centro de la composición dos bellas mujeres con vestidos blancos y bonitas máscaras están danzando alegremente. La parte de atrás de sus cabezas se cubre con una segunda máscara, como ya hiciera Goya en alguna otra ocasión para demostrar la doble intención de las mujeres, por ejemplo en el Caprich
El destino o Las parcas (Goya)
El conjunto de catorce escenas al que pertenece esta obra se ha popularizado con el título de Pinturas Negras por el uso que en ellas se hizo de pigmentos oscuros y negros y, asimismo, por lo sombrío de los temas. Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819. Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900. La casa fue derribada hacia 1909. Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo. Con anterioridad, en algunos de los paños de los muros, en ambos pisos, hubo otras escenas de difícil interpretación, posiblemente paisajes de colorido claro con pequeñas figuras, puestas de manifiesto por l
Aquelarre (Goya)
El conjunto de catorce escenas al que pertenece esta obra se ha popularizado con el título de Pinturas Negras por el uso que en ellas se hizo de pigmentos oscuros y negros y, asimismo, por lo sombrío de los temas. Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819. Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900. La casa fue derribada hacia 1909. Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo. Con anterioridad, en algunos de los paños de los muros, en ambos pisos, hubo otras escenas de difícil interpretación, posiblemente paisajes de colorido claro con pequeñas figuras, puestas de manifiesto por la
La Sagrada Familia (Andrea del Sarto)
Andrea del Sarto se formó en el ambiente florentino trabajando primero con un orfebre y más tarde con Piero di Cosimo. En su pintura destaca la influencia de Rafael y Leonardo, dos de los pintores que más admiraba. Seguramente hizo dos viajes a Roma y uno a Venecia. En el año 1518 le invitó Francisco I, rey de Francia, y permaneció en su Corte durante un año, regresando a Florencia en 1519. Su estilo, a pesar de haberse formado en Florencia, tiene más rasgos venecianos que florentinos, en su amplia gama de colores. Sus únicas obras documentadas son el Palacio de los Cónsules en Gubbio, que se inició en 1532, y el Ayuntamiento de Cittá di Castello. Su vida y obras han sido profundamente estudiadas y admiradas en el siglo XIX y el poema de R. Browning describió a Andrea del Sarto como hombre de gran talento y muy reflexivo. Los frescos El Nacimiento de la Virgen de 1514 y la Virgen de Saco de 1525 se encuentran en Santa Annunziata de Florencia y en ellos se aprecian claramente las caract
Arrantzales (Aurelio Arteta)
Aurelio Bibiano de Arteta y Errasti nació en Bilbao el 2 de diciembre de 1879 y murió en México el 10 de noviembre de 1940.Su pintura, un tanto idealizada, y teñida de una gran melancolía, cultiva con preferencia el tema vasco, tanto el eminentemente rural como la transformación de esa sociedad a la industrialización, con paisajes urbanos centrados en el entorno de la ría del Nervión. El crítico Juan de la Encina dijo de él, en relación al cuadro Pescadores, enviado por Arteta a la exposición de la Asociación de Artistas Vascos, realizada en Madrid en 1916:2 «En tiempos en que el charlatanismo y la vanidad son y han sido haciendas en explotación, por una parte, no podemos por menos de aplaudir el recogimiento de Arteta; pero por otra parte, lamentamos que artista de tanto talento huya temeroso de darse al público dictamen». También se dedicó a la ilustración de libros, como en el caso de la obra Divagaciones de un transeunte de Alejandro de la Sota.Cuadro comentado por Agustín Ibarrola
La lechera de Burdeos (Goya)
La figura se ha considerado tradicionalmente como una lechera, subida a lomos de una mula y transportando un cántaro rebosante de leche, seguía la tradición de las figuras de oficios y profesiones, que se inició en el arte europeo con los primeros ejemplos italianos de principios del siglo XVII. La primera mención del cuadro aparece en una carta de Leocadia Zorrilla, compañera o ama de llaves de Goya en Burdeos, que dirige en 1830 a Juan Bautista de Muguiro, banquero y comerciante conocido del artista, ofreciéndole esta obra. Según decía Leocadia, Goya mismo le había dicho que "no la tenía que dar menos de una onza" (Carta de L. Zorrilla a J.B.Muguiro, 9.12.1829). No se sabe cómo el cuadro quedó en posesión de Leocadia y su hija, ya que todas las pinturas, miniaturas, dibujos, estampas y otras pertenencias de Goya fueron recogidas de inmediato por su hijo y único heredero Javier, que sólo dejó a la madre y la hija "una cédula de 1000 francos y le queda a Ud. las ropas y muebles" (carta
La mujer en azul (Picasso)
Pintado durante una de las dos breves temporadas en que el artista malagueño permaneció en Madrid, entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, este lienzo posee una curiosa historia. Presentado por su autor a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1901 y tras haber obtenido como único galardón una mención honorífica, Pablo Picasso optó por no pasar a recogerlo una vez finalizado el certamen. Transcurrido el tiempo, al cabo de varias décadas, la pintura fue localizada y rescatada de su olvido por Enrique Lafuente Ferrari, director a partir de 1954 del entonces denominado Museo de Arte Contemporáneo, entrando así dicha pintura a formar parte de las colecciones estatales.El gran novelista Pío Baroja relata magistralmente en sus memorias el ambiente y la época en que el pintor realizaba este tipo de retratos femeninos: «Pablo Picasso, cuando estuvo en Madrid, había tomado un estudio hacia la calle de Zurbano, y se dedicaba a pintar de memoria figuras de mujeres de aire parisiense, c
San Hugo en el refectorio (Zurbarán)
Cuando Zurbarán llegó a Sevillla en 1629, el gremio de pintores, encabezado por Alonso Cano, le exigió pasar el examen necesario para poder ejercer. Sin embargo, la protección del cabildo sevillano le eximió de realizarlo. Su estilo, relacionado con el Naturalismo tenebrista y un tratamiento del tema acorde con los postulados contrarreformistas, que pedían escenas fácilmente comprensibles para los fieles, le garantizaron el éxito en la ciudad. San Hugo en el refectorio pertenecía a una serie monástica, un encargo propio del Barroco sevillano. La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles Santo, San
Mercurio y Argos (Velázquez)
Pasaje mitológico narrado por Ovidio en las Metamorfosis, en el que el pastor Argos queda adormecido por la música de Mercurio, reconocible por el sombrero alado, mientras guardaba una ternera por encargo de la diosa romana Juno. Ésta había recibido el animal como regalo de su esposo Júpiter quien, intentando ocultar una de sus aventuras amorosas, había transformado en ternera a su amante la ninfa Io, escapando así de los celos de su esposa.Alegoría de la siempre necesaria vigilancia del Príncipe en su reino, esta obra fue pintada para el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid, formando pareja con otros tres lienzos desaparecidos en el incendio del Alcázar de 1734: Apolo y Marsias, Venus y Adonis y Cupido y Psique.La complejidad del formato, determinado por la colocación de la obra sobre una ventana, implica una composición ligeramente forzada lo que contribuye, junto a una técnica extremadamente fluida, a destruir los límites del cuadro convencional y a llenarlo de vida.Este cuadr
Epifanía (Anónimo siglo XIII)
El frontal de altar de la iglesia de Santa María de Mosoll está considerado como una de las piezas más importantes del fondo del Museo de Arte de Cataluña, tanto por el amplio repertorio que ofrece como por la gran vistosidad de los colores con que fue pintado.Pintado al temple, se divide en cuatro parte mediante una franjas en cruz ornamentadas con relieve de estuco, al igual que las decoración del marco y de las arcuaciones que forman un triple pórtico en cada compartimento. En los tres primeros aparecen los Reyes a caballo guiados por la estrella. Sigue la Virgen entronizada con el Niño sobre su rodilla izquierda. A su lado, San José sentado en un escabel y apoyado en su bastón, completan la Epifanía. En el último arco podemos ver la escena de la Visitación.En el pórtico de la zona inferior, dentro de cada arco, el Ángel y la Virgen en la Anunciación y San José que más bien parece formar parte de la siguiente escena de la Presentación en el Templo, con la Virgen mostrando al Niño al
La cueva de Covadonga (Pérez Villaamil)
Jenaro Pérez Vilaamil (El Ferrol, 1807- Madrid, 1854) fue el más importante pintor español de paisajes del Romanticismo y el primer paisajista romántico que representó el paisaje y los monumentos de Asturias.La pintura refleja el interior de la gruta de Covadonga con un grupo de peregrinos que, vestidos con los trajes típicos asturianos, habían participado en la peregrinación que entonces se celebraba el día de la Virgen de Covadonga. Destaca el tipo de colores utilizados, con unos tonos azules, dorados y anaranjados para representar la luz natural y la sensación de atmósfera. La obra y el artista tienen influencia de la pintura inglesa del Romanticismo, por ejemplo de William Turner en la forma de tratar la atmósfera por medio del color.Cuadro comentado por Eduardo Úrculo.
Amboto plateado (Fernando de Amarika)
José Miguel Barandiarán (antropólogo) elige y comenta el cuadro 'Amboto plateado', de Fernando de Amarika que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Vitoria.
Vanitas (Jacques Linard)
Jacque Linard fue uno de los maestros franceses del siglo XVII que trabajaron en Italia. Especialista en bodegones, los dota siempre de una intención alegórica, realizándolos siempre con una técnica minuciosa que debe mucho a los flamencos. Este pequeño bodegón viene a representar un aspecto realista en cuanto a la técnica y puritano en cuanto a la significación, del sector no oficial de la pintura francesa. Es una versión, más simplificada y concentrada, de otro firmado y fechado en 1645, que se conserva en una colección francesa. Son evidentes los recuerdos del mundo tenebrista en la acentuación del contraste luminoso. La alegoría de la vanidad de las cosas, con la calavera sobre el libro, adquiere un punto de lirismo en el solitario clavel del búcaro, tan delicadamente pintado (Texto extractado del Catalogo de las Pinturas, Museo del Prado, 1985, p. 217).Cuadro comentado por Eduardo Arroyo.
El escultor Juan Martínez Montañés (Velázquez)
Retrato de Juan Martínez Montañés (1558-1649), uno de los escultores andaluces más importantes y gran amigo de Francisco Pacheco (1564-1644), suegro y maestro de Velázquez.Vestido de negro y con golilla, el escultor se encuentra modelando, en cera o en barro, el busto de Felipe IV (1605-1665) que, junto a un cuadro de Velázquez, será mandado al italiano Pietro Tacca (1577-1640) como modelo para su escultura en bronce del Monarca, hoy en día en la plaza de Oriente de Madrid.La mirada, directa al espectador y apartada del busto real, reivindica el trabajo intelectual de la escultura, en un juego alegórico que Velázquez volverá a utilizar con su autorretrato en Las Meninas.Cuadro comentado por Jonathan Brown.
La virgen de la mosca (Fernando Gallego)
La Virgen de la Mosca es una sorprendente pintura que recibe este nombre por un detalle anecdótico: la presencia de una mosca, pintada sobre la rodilla izquierda de la Virgen, que a modo de virtuoso trampantojo finge ser un insecto real posado sobre la tabla. Al margen del motivo que ha dado lugar a un apelativo tan singular, de origen evidentemente popular, esta extraordinaria obra maestra, pintada en torno a los años 1520-1525, viene planteando entre los historiadores del arte una continua discusión acerca de su autoría, sin que hasta la fecha se haya dicho la última palabra. Pero la polémica se extiende también a uno de los personajes representados, para unos un retrato evidente de la reina Isabel la Católica, aportando la correspondiente justificación de esta teoría; para otros una representación al uso de Santa Catalina, basando esta afirmación en la utilización de una iconografía semejante a la que aparece en otras obras flamencas. La única certeza es que se trata de una pint
Lucha de David y Goliat (Anónimo)
En el cierre de la nave sur se desarrollan dos escenas de la lucha de David y Goliath: la caída del gigante a tierra, por el efecto del disparo de la honda, y el degüello con la espada. Solo esta segunda escena está completa, sobre un fondo de colores planos se recorta la figura de David, vestido únicamente con túnica corta y casco, que sostiene a Goliath por los cabellos mientras lo degüella. El gigante ha sido concebido con el cuerpo inclinado y grandes extremidades totalmente desproporcionadas con el resto de la figura. El sentido narrativo de la escena y el uso de los colores lo acerca mucho al infierno ya comentado antes y que se encuentra en la pared con la que hace ángulo. Procede de la iglesia de Santa Maria de Taüll.Comentado por Albert Rafols Casamada.
El príncipe de Viana (José Moreno Carbonero)
Hijo primogénito del rey Juan II de Aragón y de Blanca de Navarra y heredero de ambos reinos, Carlos de Viana tuvo que soportar que su padre le repudiara en beneficio de su otro hijo, Fernando 'el Católico'. Sin embargo, ante su creciente popularidad en Cataluña, Fernando le obligó a retirarse de la vida pública, momento que inmortaliza Moreno Carbonero en este cuadro. En la pintura, un resignado don Carlos se entrega a la lectura y el estudio en la biblioteca del convento napolitano donde se refugió, acompañado únicamente por un perro.La obra muestra el rigor histórico con que Carbonero acomete en acontecimiento, visible en los trajes y en el estilo gótico del sitial. La fragilidad que transmite el personaje, el gesto de amargo desencanto y la mirada perdida, dan idea de la hondura emocional con que fue abordado el tema por parte del pintor.El cuadro llamó la atención de la crítica por reducir a una sola figura todo el argumento narrativo, contrariamente a lo habitual en la pintura de
El puente de Frías (Fernando de Amarika)
Amárica, Fernando de (Vitoria, 1866-1956). Pintor español. Recibió algunas clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios en su ciudad natal, pero no comenzó a dedicarse realmente a la pintura hasta los veintidós años, después de estudiar Derecho en Valladolid. En 1895 viajó a Roma y a la vuelta, se instaló en Madrid, donde acudió al taller de Joaquín Sorolla. En 1899 concurrió a la Exposición Nacional de Bellas Artes con el lienzo La vega de Güell en abril, así como con la obra Tarde de septiembre a orillas del Zadorra (traspuntes), que donaría en 1923 al Museo Nacional de Arte Moderno y de ahí pasaría al Prado en 1971. Es conocido por sus paisajes y pinturas de jardines, temas a los que se aficionó a raíz de un viaje a París en 1900. Gran parte de su producción se encuentra representada en el Museo de Bellas Artes de Álava, donde han sido depositadas por la fundación que lleva su nombre.En su producción artística, de unos 500 cuadros, destacan las obras 'Costa vasca', 'Calma en la
Pensativa (Isidro Nonell)
Isidro Nonell y Monturiol nació en Barcelona el 30 de noviembre de 1872 y murió en la misma ciudad el 21 de febrero de 1911. Marcado por el impresionismo, se le adscribe al modernismo. Forma parte de la llamada "pintura negra" española, junto a Regoyos o Solana.Realiza retratos, especialmente las series sobre cretinos y gitanas. Muestra las clases más bajas de la sociedad, en su miseria y dolor.Su obra es colorida. A veces usa tonos oscuros, casi marronáceos, con una pincelada suelta. Posteriormente, en los cuadros de gitanas, mujeres y bodegones, usa colores más claros. También se le conoce por sus dibujos, en los que domina la sátira. Retrata la situación social de Cataluña. Colabora así en revistas como Papitu.'Pensativa' es óleo sobre tela (159,5 × 126,5) y puede disfrutarse en el Museu Nacional d'Art de Catalunya.Cuadro comentado por Joan Pere Viladecans.
Santa Catalina de Alejandría (Caravaggio)
Esta obra de Caravaggio le fue encargada en Roma, casi con toda seguridad, por su primer protector el cardenal Francesco Maria del Monte. La figura de Santa Catalina destaca por su naturalismo y la modelo ha sido identificada con Fillide Melandroni, una célebre cortesana de la época. Vestida ricamente como corresponde a una princesa y arrodillada sobre un cojín, mira al espectador. Santa Catalina aparece con todos los atributos que aluden a su martirio: la rueda con los cuchillos, la espada con la que fue decapitada y la palma. La luz ilumina de forma dramática la escena creando unos claroscuros típicos del pintor. La interpretación que Caravaggio hizo de la luz y el volumen, presentes en este lienzo, tuvo una enorme repercusión tanto en Italia como en el resto de Europa.Cuadro comentado por el Barón Thyssen-Bornemisza.
San Bernardo y la Virgen (Alonso Cano)
Escena de la vida de San Bernardo (siglo XII) que relata el momento en que el santo recibe un chorro de leche de una estatua de la Virgen con el Niño, situada en un altar, mientras un cardenal contempla el milagro con las manos unidas en oración.En la pintura se conjuga un sentido monumental de las formas con un tratamiento muy delicado del color, características que adquiere el arte de Cano tras su conocimiento de las Colecciones Reales.Probablemente se trata de una obra que se cita en el retablo de los Capuchinos de Toledo y que, en consecuencia, es realizada por Alonso Cano en cualquiera de sus dos largas estancias en la corte.Cuadro comentado por Santiago Amón.
Fray Francisco Zumel y otros monjes (Zurbarán)
Ésta parece una de las típicas figuras zurbanarescas, pintor de frailes y monjes. Pertenece a una serie de mercedarios insignes, que fue situada en la biblioteca del convento de la Merced Calzada de Sevilla. De allí pasó a la Real Academia madrileña, junto con otros lienzos de la serie, titulados Fray Jerónimo Pérez y Fray Pedro Machado. El mérito de este fraile, Francisco Zumel, fue notorio en su época. Nacido en Palencia en el año 1540, murió en 1607, es decir, que Zurbarán no pudo conocerlo ni retratarlo, aunque pudo basarse en descripciones de sus compañeros. La Orden mercedaria tuvo un importante papel en la Reconquista española, puesto que era militar a la vez que religiosa. Este prestigio militar lo mantuvo a lo largo de su existencia. Fray Francisco Zumel llegó a alcanzar el grado de General de la Orden en 1593, al servicio de Felipe II. Antes ya había gozado de una brillante carrera como catedrático de la Universidad de Salamanca y consejero de Felipe II. Dado su poder militar